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While in Spain: world premiere of a cantata by Polish composer Alina Blonska

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While in Spain: world premiere of a cantata by Polish composer Alina Blonska

An interesting concert to celebrate the 500th year of the protestant reformation took place on the 28th of October of 2017, at the Iglesia Alemana (also known as Friedenskirche) in Madrid (Paseo de la Castellana, 6).  Of Neo-byzantine design, this church once formed part of the German embassy, and is a “hidden gem” in the very heart of Madrid:

Inside of "Friedenskirche", a protestant church dated 1909 in Madrid (Spain)

The interior of “La iglesia alemana” also known as Friedenskirche in the heart of Madrid

The musical program of the concert included solo organ pieces by Buxtehude, J.S. Bach, Heinrich Scheidemann and Juan Batista Cabanilles, played upon a beautiful pipe organ (make and year unknown to me).  I especially enjoyed Spanish organist Luis Mazorra, who played with aplomb the virtuosic Passcaglia, BWV 582 by Bach as well as the Pasacalles II by Spanish baroque composer Juan Bautista Cabanilles (1644-1712).

A cantata sung by  bass Malte Frovel, accompanied by a baroque instrument ensemble of the cantata “Aus der Tiefe rufe ich, Herr, zu dir” by a contemporary of J.C. Bach, Gottfried Heinrich Stölzel (1690-1749) was a great discovery.

The concert ended with an exceptional composition newly created by Polish composer and resident of Madrid, Alina Blonska, b. 1974. This composer was commissioned to compose and world premiere a new cantata for the occasion of the 500th anniversary of the protestant reformation, being celebrated world wide by the Evanglische Kirche in Deutschland.

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The program notes of Kantate “Christ ist erstanden” (Christ has risen) state that the commission was by invitation of pastor Simon Döbrich of said church. “The principal idea gyrates around Martin Luther, and searches to bring us close to Luther’s spiritual thought, which is the ethos of the German speaking congregation at Friedenskirche. For this reason, the cantata includes fragments chosen directly from Luther’s writings.  The title makes reference to the German Easter song “Christ has risen”, and which forms an important element of the aesthetic of the cantata as a whole.  The piece pretends to re issue a new look towards this anachronistic genre, which was brought to its apogee  in the first half of the 18th century by Johann Sebastian Bach.”

Rigorous but always elegant, the composition employed  baroque instrumentation, organ (in this instance performed by Polish organist Marta Misztal), soprano and baritone. The piece began with spartan bareness, with a rising melody sung by the  soprano voice in chant;  the cantata continued with a layering of elements, given off a sensation of a union of anachronistic musical language (older than baroque, with allusions to medieval church chant) together with a contemporary music aesthetic that was in perfect balance and accord for a celebration in modern day of Martin Luther’s vision.  Under the direction of Alejandro Trapero, the ensemble sounded balanced and in sync. The wonderful acoustic at Friedenshkirche was an attractive frame for the piece. My colleague Urzsula Bardlowska’s lyric soprano exhibited a rounded and attractive tone which reminded me very much of the young Lucia Popp.  The Venezuelan baritone John Heath sang his lines with emotion (which by contrast to the soprano’s melodies, contained a more contemporary line), exhibited to my ear the more earthy aspects of the philosophy or message of the cantata.

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Polish soprano Urszula Bardlowska

Ms. Blonska’s resume includes premieres in numerous festivals in both Poland and Spain, as well as in France, England, Belarus, Germany, Sweden and Mexico. She participates in the project Laboratorio de Informática y Electrónica Musical Centro de Tecnología del Espectáculo (a branch of Spain’s INAEM), which is supported by the Polish Cultural Institute in Madrid. She is currently working on a sound disc recording of her works.

Pictured to the left in the red jacket is composer Alina Blonska

Pictured to the left and in red is composer Alina Blonska after the premiere of her cantata, “Christ ist erstanden”

The concert concluded with the serving of German beer underneath the trees of the patio of the Friedenskirche, the meeting of old and new friends at my new-to-me Madrid site.

 

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Semiramide 30 day Challenge Day 3 Arsace Assur duet “Bella imago…”

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Semiramide_antiquescore

I have not sung many opera scenes with true basses.  The last I did that comes to memory is the duet between Laura and Alvise in Ponchielli’s La Gioconda.  There are more common encounters in baroque opera between these two voice types, as well as also in a couple of Bach cantatas that I have sung.  There are occasions in which the mezzo interacts with the bass in recitative passages, but not often in large presentational duet like the one in Semiramide.

The scene with Arsace and Assur in Act I of Semiramide begins with Arsace’s recit  “…e questo Assur chi’io già detesto”.  It would be a mistake to sum this scene as a big testosterone sable rattling scene. Its divided in four sections sections, and contains  bridge section to mirror the power struggle and conflict (with what I call “emotional close ups”) between the two characters: a young dashing somewhat lovelorn general and a mature general that has been working many years to attain absolute power in ancient Babylon.

American bass Samuel Ramey as Assur in Rossini’s Semiramide

No. 5 Scena and duetto Arsace and Assur

Recitative “…e questo Assur chio gia detesto” “E dunque vero? audace”

Maestoso allegretto giusto: “Bella imago degli Dei”

Andante: “D’un tenero amore”

Allegro vivace: “Io tremar?”

A tempo:  “Va superbo, in quella Reggia”

A cut version could last 7 plus minutes. The uncut performance of the duet from the 80’s with Horne and Ramey  in London clocked in at 11’30, its truly a superb version:

Arsace Assur Duet from Semiramide with Marilyn Horne and Samuel Ramey live performance London

The recit exposes the power struggle and rivalry between the two characters; Arsace ends his statement with scale with possible cadenza and begins the A section (Maestoso allegreto giusto) which then returns at the A tempo at the end of the scena. The Decca London 1965 recording cuts out the  Andante section, which gives a great platform to show almost a soft side for Assur, wonderful expressive singing for Arsace, as well as beautiful cadenza in which both characters sing together, its a great moment. The “io tremar” of the Allegro vivace changes the mood in an aggressive way to bring us back to the A section, which in the uncut version repeats; its in this section that the ornaments are done.  Musically and dramatically the scena is a mini opera, except that the conflict remains to be resolved (with deadly force) later on in the opera.

Its a big chunk of music. In the Kalmus score its 18 pages for this scena…for now I will learn the return of the A section come scritto  (Horne re writes the passages leading to the end of this first exposition). It definitely needs a high note, as indicated by Rossini by the two fermatas. Not too worried getting this A section in my voice, as well as the gorgeous introspective cantilena section.  The grouping of the figures in the last part of the duet are super trumpet like in character. I sung thru it a couple of times today. Tomorrow I will work on the possible ornaments and cadenzas for the duet.  None are indicated in the Ricci cadenza book. After that, I’m moving on to the Act II cavatina of “In si barbara”. I’m skipping over the Act I finale quintet for now.

I will sing thru a big chunk of this role in a small concert on September 6th in NYC so I can try all this out for size. Still working on that August 19th deadline to learn every note and every word! Maybe not every ornament and cadenza, but yes to be able to read the score from top to bottom.

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Italian mezzo soprano Lucia Valentini-Terrani as Arsace in Rossini’s Semiramide

“Pascua Florida”: nuevo cíclo para mezzo y piano Miquel Ortega sobre textos de Maria Lejárraga

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“Pascua Florida”: nuevo cíclo para mezzo y piano Miquel Ortega sobre textos de Maria Lejárraga

Pascua Florida Nuevo cíclo de 8 canciones para mezzo soprano y piano, sobre textos de María Lejárraga, compuestas por el compositor Miquel Ortega; estreno absoluto domingo 12 de febrero, 2012 en el National Opera Center de Nueva York; mezzo soprano Anna Tonna y Max Lifchitz, piano.

Notas de programa

María de la O Lejárraga (La Rioja, 1874- Buenos Aires, 1974), conocida también como María Martinez Sierra, escritora y feminista española, es uno de esos personajes particulares que nos deja la historia en ocasiones. Hija de buena familia, logró una educación por encima de lo habitual en una mujer de su época. Esposa del dramaturgo Gregorio Martínez Sierra desde 1900, escribió siempre oculta bajo el nombre de su marido, mientras públicamente defendía los derechos de la mujer, consiguiendo incluso un escaño de diputada en 1933.

El matrimonio Martinez Sierra formó la que probablemente haya sido la unión más singular y enigmática de la historia de las letras españolas, una colaboración que resultó clave para la difusión del modernismo. Fundaron revistas literarias de vanguardia, como Helios y Renacimiento, donde escribieron los mejores escritores su época, y desde su papel como productores teatrales en el Teatro Eslava, impulsaron la más importante renovación teatral del primer tercio del siglo xx en el pais, mientras reunían a su alrededor a los creadores más inovadores e importantes del momento.

Tras su matrimonio, María Lejárraga escribió bajo el nombre de Gregorio Martínez Sierra, aunque ha quedado claro en tiempos modernos que todas las obras de Martínez Sierra fueron escritas por nuestra autora (auténticos best-sellers de la época, como Canción de cuna, llevada al cine en 4 ocasiones, una de ellas en Hollywood), asi como también las primeras traducciones en España de Shakespeare, Shaw, Maeterlinck, Ibsen y Ionesco. Entre los muchos triunfos en el mundo de la lírica de la “marca” Martinez Sierra se pueden citar Las Golondrinas y La llama, con música de Usandizaga (1914), y Margot y Jardin de Oriente, ambas de Joaquín Turina.

Hoy nos enfocamos en dicho trabajo de María Lejárraga en el campo de la lírica, y concretamente en la amistad y colaboración entre ella y el compositor Manuel de Falla. Ellos fueron los creadores de dos obras clave del ballet español del siglo XX, El amor brujo y El sombrero de tres picos, que llevaron a la fama mundial Les ballets Russes y Antonia Mercé, La Argentina.

Manuel de Falla conoció al matrimonio Martínez Sierra en París. A consecuencia de la I Guerra Mundial, Falla regresa a España y empieza a trabajar con el matrimonio, en realidad con Lejárraga únicamente. En 1915 Lejárraga y el compositor gaditano realizaron un viaje a finales de marzo y primeros de abril a Andalucía, en visperas del estreno de la primera versión de El amor brujo en el Teatro Lara, el 15 de abril de ese año. La primera ciudad que visitaron fue Granada, ciudad que el músico gaditano no conocía, despues Ronda y Cádiz. En parte del epistolario que mantuvieron ambos (y que publica Antonio Gallego en un trabajo titulado ‘Pascua Florida: Un proyecto poético de María Lejárraga para Manuel de Falla’ en 1996 ) se refieren muchas veces a una especie de “album de viaje” poético musical. En 1980 Union Musical Española publica Obras desconocidas de Manuel de Falla, con cinco canciones, entre ellas “La canción andaluza: Pan de Ronda”, que formaba parte de ese álbum de viaje.

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Manuel de Falla, Maria Lejarraga y Joaquin Turina

En las cartas se comentaban planes para una ”suite” y un preludio. Pero la correspondencia delata un cambio de tono, desde la complicidad y familiaridad inicial, al enfado meses despues del viaje, por un incidente entre los dos amigos. La única canción que nos llega, a pesar de los ruegos de Lejárraga a Falla para que pusiera en música otras piezas del poemario, es, pues, “Pan de Ronda”. En el Archivo Manuel de Falla se conserva el esbozo de lo que hubiera sido esta suite vocal, escrito a lapiz con letra de Lejárraga sobre el dorso de un programa de concierto en Cádiz:

“Para el maestro Falla, tan amigo de guardar papeles viejos.”
“Pascua Florida” El jardín venenoso El descanso en San Nicolás El corazón que duerme bajo el agua El barrio gitano El salón de Carlos V Tinieblas en el convento El pan de Ronda que sabe a verdad El sol de Gibraltar Ciudades orientales Cádiz se echa a navegar

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Esbozo original del texto “Cadiz se ha echado a navegar” por Maria Lejarraga, cortesia del Archivo-Manuel de Falla (Granada)

Al leer por primera vez estos versos salta a la vista la belleza de los poemas que sobreviven de este listado: El jardín venenoso; Tinieblas en el convento; El descanso en San Nicolás; El pan de Ronda que sabe a verdad y Cádiz se echa a navegar. Un proyecto que no se completó, y que pudo haber sido otra obra maestra de Falla.

Desde que en 2010 Anna Tonna comenzó este viaje para conocer la faceta creadora y a la vez de musa inspiradora de María Lejárraga, todo lo que ha descubierto le ha llevado, junto con Mari Luz Gonzalez, autora del libro Música y músicos en la vida de María Lejárraga, a idear un proyecto en el cual estos poemas semiocultos de Lejárraga pudieran recobrar vida bajo la pluma de un compositor que diera voz a estos versos, creados durante una época feliz para los dos amigos, ese viaje en el que la escritora desveló al insigne maestro las bellezas de la Alhambra y del barrio del Albaicín…

De esta manera Tonna y González encargaron al compositor Miquel Ortega esta labor tan especial y emotiva, terminar este ciclo de canciones, para que músicos y publico se reencuentren con la obra “Pascua Florida”. Tres poemas más, encontrados en el archivo de los herederos de María Lejárraga, forman parte del presente cíclo: Nana del amor perdido, Yo sabía un cantar moro y Mañana de abril.

Con melodias depuradas y llenas de emoción, el compositor logra dar con el color de sus sonoridades, compaginándolo con rítmos que nos llegan de la tierra, el ambiente y sol andaluces, mostrando, tras 102 años de oscuridad, la intimidad de los protagonistas de este viaje por la Andalucía del 1915.

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“…me dejé imbuir por la musicalidad del propio poema que a veces hasta parecía dictarme la melodía.” Miquel Ortega

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Música: Miquel Ortega Letra: María Lejárraga

Jardín venenoso Descanso en San Nicolás Tinieblas en el convento Noche estrellada mirando a Gibraltar Nana del amor perdido Yo sabía un cantar moro Cádiz se ha echado a navegar Mañana de abril

Bibliografía
Gallego, Antonio. “Pascua Florida: Un proyecto poético de María Lejárraga para Manuel de Falla.” Revista Atlántica Poesía, 11 (1996): 33-55.

Luz, González Peña María. Música y músicos en la vida de María Lejárraga. Logroño: Instituto de Estudios Riojanos, 2009.

Webber, Chr. “María and Gregorio Martínez Sierra.” = Zarzuela.net. N.p.,n.d.Web. 22 Feb. 2016.

Sierra, María Martínez, y Alda Blanco. Gregorio y yo: medio siglo de colaboración. Valencia: Pre-Textos, 2000.

Miquel Ortega (Barcelona,1963) es pianista, director de orquesta y compositor. Formado en el Conservatorio del Liceo, amplió sus estudios con Manuel Oltra y Antoni Ros Marbà. Como director ha dedicado una atención especial al mundo de la ópera y la zarzuela.

Ha estrenado títulos como La celestina, de Joaquim Nin-Culmell (2008), Dalí, de Xavier Benguerel (2011), y ha dirigido a los teatros del Liceo, la Zarzuela, Teatro Real de Madrid, Teatro Colón de Buenos Aires, Capitole de Toulouse y Covent Garden, entre otros.

Es autor de la ópera La casa de Bernarda Alba (2007), el ballet Bestiario (2002-09) y el cuento musical El niño y la creación del mundo, estrenado en el Teatro Real de Madrid en enero del 2012. La casa de Bernarda Alba se estrenó en Brasov (Rumanía) en 2007 y posteriormente, en 2009, la obra tuvo su estreno en España en los Festivales Internacionales de Santander y Perelada.

Ortega es hoy en día uno de los directores españoles de su generación más apreciados en el campo operístico. Ha dirigido, entre otros, en el Gran Teatre del Liceu y el Palau de la Música de Barcelona, en el Teatro Real, Teatro de la Zarzuela y Auditorio Nacional de Música de Madrid, en el Kennedy Center de Washington, Teatro Colón de Buenos Aires, Théâtre du Capitole de Toulouse, Lindbury Studium de la Royal Opera House, Covent Garden de Londres, King’s Theater de Edimburgo, etc.

Su actividad como compositor también tiene a la voz como elemento principal, y muchos cantantes de la actualidad tienen en repertorio algunas de sus canciones; el tenor argentino Luis Lima, el barítono español Carlos Álvarez (que ha grabado bajo la dirección del propio autor cuatro de sus canciones) y las sopranos españolas Montserrat Caballé y Ainhoa Arteta, entre otros. Su producción comprende además, obras de cámara, sinfónicas y óperas.

Su estilo, de carácter mediterráneo, se distingue por su facilidad para la melodía y el uso de la tonalidad y la modalidad, preferentemente, con incursiones politonales y atonales esporádicas.

KAIDAN, promoción y comunicación Blanca Gutiérrez Cardona Tfo: 625 89 93 71 blancagutierrezcardona@gmail.com

“Tu Eternidad” a song for voice and guitar by Ecuadorian composer, Diego Luzuriaga

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“Tu Eternidad” a song for voice and guitar by Ecuadorian composer, Diego Luzuriaga
      While putting our program together for “Belleza de las Américas” for voice and guitar, I looked over a piece of music I had received as a comp copy from Oxford University Press many years ago. They were simple but beautiful songs by the Ecuadorian composer
Diego Luzuriaga. I  messaged the maestro via email  this past fall to ask about his complete cycle for voice and guitar from where the songs came from,  Eleven Songs, composed to his own text. He answered right away and we talked about the work. The cycle is out of print and not obtainable, although it can be checked out from the NY Public Library. I would say the texts are unified by a sort of celebration of life:  a lullaby for the birth of his son, hope in the future as well songs that are set to a kind of romantic poetry, with imagery that is heartfelt and with the smell of  earth. All the songs were recorded by soprano Dana Hanchard (I purchased this CD via Amazon), in which Ms. Hanchard performs these ballads in a  frank and personal manner.
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Diego Luzuriaga

I showed the songs to guitarist Francisco Roldán, and he suggested we work on “Tu eternidad”;  we started to develop the piece for our next performance in Long Island this past fall. The composer writes on the score the word “pasillo”, to give us a clue as to the affect of the song. The “pasillo” is a prevalent 3/4 meter and dance step that can be found in many South American countries. The words are simple, forthright but sensual; here is my hasty English translation of this song:

Your Eternity
Inside the wind I will find your voice,
following the path of my days in the sun
and in high nights, with my singing voice.
 I will find your warm clarity
and your fresh cool hands…
Climbing near the rivers, the fog and forests,
I will find your breast, your pulse and your shadow,
I will find your breath and the eternal you
      We worked the song to find its natural arches and climaxes, and for me to find a way to say these words in the most natural way possible.  We performed the song at least once in the original guitar and voice. I afterwards was thinking of ways to include another South American dance in the off shoot of “Bellezas de las Américas”, the project “Alegría Hispana“, which is comprised of the  Latin American songs that Francisco and myself perform, but with the inclusion of the art of Spanish dancer Elisabet Torras Aguilera.  The program as it stood had several dances from Spain and only one from the Americas ( a habanera “La paloma” by Sebastian Yradier).  In order to add more of South American dance, I suggested that Elisabet try to interpret “Tu Eternidad” by Mstro. Luzuriaga with us.
      Elisabet’s specialty includes all the important dance genres of her native Spain (regional folkore, Andalusian flamenco as well as the sophisticated and suave 18th century Escuela bolera).  She willingly took the project up, listening to various different “pasillos” on Youtbe, as well as observing various dance shows, including interpretations by the National Ballet of Ecuador and street videos of this dance…she dabbled in Wikipedia as well as  online documentaries to learn about the birth of the “pasillo”, and the influence of the European waltz upon it.  She related that were two types of “pasillo”, a ballroom version and a popular street version. The costume she chose to  represent this piece included a blouse with high collar (very 19th century), with a full colonial style skirt.  Elisabet’s “pasillo” was a historical, sober and elegant depiction of “pasillo”.  We premiered this new creation this past summer for the Latin American Cultural Center in Queens.
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Spanish dancer Elisabet Torras Aguilera, guitarist Francisco Roldan and mezzo soprano Anna Tonna at the Tropicalia Hall, performing “Alegria Hispana” for the Latin American Cultural Center of Queens. Phot credit:  H. Stephen Brown

      This coming Sunday December 11th 2016, we will do “Alegria Hispana” once more, and we interpret this beautiful version for voice, guitar and dancer of Diego Luzuriaga’s 
“Tu Eternidad“, in Huntington (Long Island) at 2:30 pm; free admission. Presented by the South Huntington Public Library (located at 145 Pidgeon Hill Road).  For more information, please call 631-549-4411, or check out our Facebook Page Bellezas de las Americas.
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